Filmhaus Köln

There is a violence in being looked at before you get to speak for yourself, a name attached, a story written, a body turned into a symbol for something it never agreed to carry. Somewhere between the label and the lens, a person becomes an idea, and an idea is so much easier to manage than an actual, specific, complicated human being. This is the colonial gaze at work, a way of seeing built on centuries of white supremacist logic, deciding what someone is before bothering to ask who they are, then holding onto that decision long after the person has answered for themselves a hundred times over. Sometimes what breaks the cycle is a camera aimed back at whoever built the label in the first place, turning the apparatus of the gaze against itself. Sometimes it is nothing more than living so specifically, so stubbornly as yourself that the flattened version stops making sense to anyone paying attention. Neither film in this block resolves into a clean answer, and neither owes one. About the films: BUSHMAN David Schickele, USA 1971, 72 min language: english In 1968, David Schickele set out to make a light comedy with his friend Paul Eyam Nzie Okpokam, a Nigerian graduate student, about navigating countercultural San Francisco as an immigrant. Gabriel, the character Okpokam plays, is barely fiction, sharing his own memories of home and his own bewilderment at a country that keeps deciding who he is without asking. Midway through, the film stops being fiction entirely: Okpokam was arrested for a crime he did not commit while Schickele kept filming, and Bushman ends in his deportation, an act of state violence the camera simply refuses to look away from. The title names the colonial logic it dismantles, a slur that collapsed a specific, funny, complicated man into whatever flattened, interchangeable idea white America found easiest to hold onto. content note : contains depictions of racism and racial profiling, police violence against protesters, the wrongful arrest and deportation of the film's lead, a verbal reference to childhood abuse, and strong language.   FOUR WOMEN Julie Dash, USA 1975, 7 min language: english Set to Nina Simone's ballad of the same name, dancer Linda Martina Young moves through four figures, each one a stereotype built to contain Black women: Aunt Sarah, Saffronia, Sweet Thing, Peaches, each one carrying its own specific history of violence and erasure. Dash, later part of the L.A. Rebellion film movement, calls it a choreopoem rather than a story, taking categories that were never meant to hold a real person and bending them until they stop functioning. content note: references to slavery, sexual violence and racist stereotyping, voiced through the film's lyrics and narrative framing rather than shown directly.   German version Gewalt beginnt manchmal schon mit dem Blick. Damit, dass andere sich ein Bild von einem machen, bevor man selbst die Chance hat, für sich zu sprechen. Dass sie jemandem einen Namen geben, ihm eine Geschichte zuschreiben und seinen Körper zum Symbol für etwas machen, das er nie verkörpern wollte. Irgendwann wird aus einem Menschen eine Vorstellung. Und mit einer Vorstellung lässt sich leichter umgehen als mit einer realen Person, die konkret ist, widersprüchlich, vielschichtig und nicht in eine vorgefertigte Schablone passt. So funktioniert der koloniale Blick. Er entscheidet, was jemand sein soll. Geprägt von Jahrhunderten weißer Vorherrschaft, hält er an diesen Zuschreibungen fest, auch dann noch, wenn die Menschen, über die er urteilt, längst selbst gesprochen haben. Manchmal lässt sich dieser Kreislauf durchbrechen, indem der Blick zurückgeworfen wird. Indem sich die Kamera gegen jene richtet, die ursprünglich darüber bestimmt haben, wie andere gesehen werden. Manchmal liegt der Widerstand aber auch einfach darin, so konsequent man selbst zu sein, dass die vereinfachte Version eines Menschen irgendwann nicht mehr haltbar ist. Keiner der beiden Filme in diesem Programm liefert darauf eine einfache Antwort. Über die Filme: BUSHMAN David Schickele, USA 1971, 72 Min. Sprache: Englisch 1968 wollte David Schickele gemeinsam mit seinem Freund Paul Eyam Nzie Okpokam eine leichte Komödie drehen. Okpokam, ein nigerianischer Student, sollte darin einen Einwanderer spielen, der sich durch das gegenkulturelle San Francisco der späten 1960er-Jahre bewegt. Seine Figur Gabriel ist dabei kaum von Okpokam selbst zu trennen. Seine Erinnerungen an die Heimat und seine eigene Verwunderung über ein Land, das fortwährend zu wissen glaubt, wer er ist, fließen unmittelbar in den Film ein. Doch auf halber Strecke wird aus der Fiktion Realität: Okpokam wird wegen eines Verbrechens verhaftet, das er nicht begangen hat. Schickele filmt weiter. Der Titel verweist auf genau jene koloniale Logik, die der Film offenlegt und zerstört. Ein abwertender Begriff, der einen humorvollen und komplexen Mann auf eine diffuse und austauschbare Vorstellung reduziert – auf jene Version, mit der sich das weiße Amerika am bequemsten arrangieren konnte. Content Note: Der Film enthält Darstellungen und Themen von Rassismus und racial profiling, Polizeigewalt gegen Demonstrierende sowie die unrechtmäßige Verhaftung und Abschiebung des Protagonisten. Zudem gibt es eine verbale Bezugnahme auf Missbrauch in der Kindheit und Kraftausdrücke. FOUR WOMEN Julie Dash, USA 1975, 7 Min. Sprache: Englisch Zu Nina Simones gleichnamiger Ballade verkörpert die Tänzerin Linda Martina Young vier Figuren: Aunt Sarah, Saffronia, Sweet Thing und Peaches. Jede von ihnen steht für ein Bild, das geschaffen wurde, um Schwarze Frauen auf eine bestimmte Rolle festzulegen. Jede trägt eine eigene Geschichte von Gewalt, Unterdrückung und Auslöschung in sich. Julie Dash, die später Teil der Bewegung des L.A. Rebellion Cinema wurde, versteht Four Women nicht als klassische Erzählung, sondern als Choreopoem. Sie nimmt Kategorien, die nie dazu gedacht waren, einem wirklichen Menschen gerecht zu werden, und setzt sie in Bewegung – so lange, bis sie ihre Gültigkeit verlieren. Content Note:  Der Film enthält Bezüge zu Versklavung, sexualisierter Gewalt und rassistischen Stereotypen. Diese werden über den Liedtext und die erzählerische Rahmung vermittelt und nicht unmittelbar dargestellt.

SHORT FILM PROGRAM Before an idea belongs to us, we try it on. A haircut, a walk, a posture. A role becomes a character, a character becomes a self, and a self becomes someone others recognise. This is how subcultures begin: in back rooms, school corridors, rented lofts. A few people start experimenting and discover, in the process, what fits. With courage, curiosity and clothes that maybe once belonged to someone else. FORMATION takes us into three of these spaces: a host club in Tokyo, a middle school in Santa Monica and a loft in downtown New York. Three places, three decades, three very different ways of making something from scratch — caught in a moment when no one could yet know that something new was taking shape. About the films: GUERILLERE TALKS Vivienne Dick, USA 1978, 25 min language: english Eight rolls of Super 8, unedited, each one a single woman looking straight into a camera that refuses to stay neutral. Vivienne Dick, newly arrived in downtown New York, points her lens at Lydia Lunch venting about public space, Pat Place and Adele Bertei between rehearsals, Ikue Mori just being watched. No script, barely any editing, made before No Wave had a name for itself.   DIRTY GIRLS Michael Lucid, USA 1996/2000, 18 min language: english Spring 1996, a middle school in Santa Monica. Sisters Amber and Harper photocopy a zine called Sour Grrrls, wear their hair unbrushed on purpose, and get mocked for it, until "dirty girls" stops being an insult and becomes a name they choose. A classmate with a borrowed 8mm camera caught the whole thing, then let it sit for over a decade before uploading it to YouTube, where it found five million views and, most recently, a slot in the Berlinale's 2026 programme. content note: contains depictions of bullying and mockery directed at minors (all subjects are 13 to 14 years old), and discussion of sexual violence and patriarchy.   SHINJUKU BOYS Kim Longinotto, Jano Williams, UK/Japan 1995, 53 min language: japanese with english subtitles Kazuki, Tatsu and Gaish are three onnabe - a historically and culturally specific Japanese term for people assigned female at birth who live as men. They work as hosts at the New Marilyn Club in Tokyo. Night after night, they embody the idea of the perfect boyfriend. The film follows all three from work to home: Tatsu talks about hormone injections at the hairdresser, Kazuki rehearses a phone call to his mother, and Gaish speaks about the fear of ending up alone. Three people living and shaping their gender identity in their own way. content note: discussion of gender transition, sexuality and homophobia   German version Bevor eine Idee zu uns gehört, probieren wir sie aus. Eine Frisur, einen Gang, eine Haltung. Aus einer Rolle wird eine Figur, aus der Figur ein Selbst, und aus dem Selbst jemand, den andere wiedererkennen. So entstehen Subkulturen: in Hinterzimmern, auf Schulfluren, in gemieteten Lofts. Ein paar Menschen beginnen, etwas auszuprobieren und finden dabei heraus, was zu ihnen passt. Mit Mut, Neugier und Kleidung, die vielleicht mal jemand anderem gehörte.  FORMATION  führt uns in drei solcher Räume: in einen Host Club in Tokio, an eine Mittelschule in Santa Monica und in ein Loft in Downtown New York. Drei Orte, drei Jahrzehnte, drei sehr unterschiedliche Formen des Selbermachens – festgehalten in einem Moment, in dem noch niemand wissen konnte, dass hier gerade etwas Neues entsteht. Über die Filme: GUERILLERE TALKS Vivienne Dick, USA 1978, 25 Min. Sprache: Englisch Acht Super-8-Rollen, unbearbeitet, jede von ihnen ein Porträt einer Frau, die direkt in eine Kamera blickt, die sich nicht als neutral versteht. Die gerade erst nach Downtown New York gekommene Vivienne Dick richtet ihre Kamera auf Lydia Lunch, die über ihren Platz im öffentlichen Raum spricht, auf Pat Place und Adele Bertei zwischen zwei Proben und auf Ikue Mori, die sich einfach beobachten lässt. Kein Drehbuch, kaum Montage. Entstanden zu einer Zeit, als No Wave noch keinen Namen hatte.  DIRTY GIRLS Michael Lucid, USA 1996/2000, 18 Min. Sprache: Englisch Frühling 1996, eine Highschool in Santa Monica. Die Schwestern Amber und Harper vervielfältigen ihr selbstgemachtes Zine Sour Grrrls, tragen ihre Haare absichtlich ungeordnet und werden dafür von Mitschüler:innen verspottet. Bis „Dirty Girls“ aufhört, eine Beleidigung zu sein, und zu einem Namen wird, den sie selbst wählen. Ein Mitschüler hält das Ganze mit einer geliehenen 8-mm-Kamera fest. Danach verschwindet das Material für mehr als ein Jahrzehnt, bevor es auf YouTube auftaucht, dort fünf Millionen Aufrufe erreicht und – fast drei Jahrzehnte später – im Programm der Berlinale 2026 landet.  Content Note:  Der Film zeigt Mobbing und Spott gegenüber Minderjährigen; alle Beteiligten sind 13 bis 14 Jahre alt. Außerdem werden sexualisierte Gewalt und Patriarchat thematisiert. SHINJUKU BOYS Kim Longinotto, Jano Williams, UK/Japan 1995, 53 Min. Sprache: Japanisch mit englischen Untertiteln Kazuki, Tatsu und Gaish sind drei onnabe – ein historisch und kulturell spezifischer japanischer Begriff für Personen, die bei der Geburt dem weiblichen Geschlecht zugeordnet wurden und als Männer leben. Sie arbeiten als Hosts im New Marilyn Club in Tokio. . Abend für Abend verkörpern sie die Vorstellung des idealen Freundes. Der Film begleitet die drei von der Arbeit bis nach Hause: Tatsu spricht beim Friseur über Hormoninjektionen, Kazuki probt einen Anruf bei seiner Mutter, und Gaish erzählt von der Angst, am Ende allein zu sein. Drei Menschen, die ihre Geschlechtsidentität auf ihre eigene Weise leben und gestalten. Content Note:  Thematisiert Geschlechtsangleichung, Sexualität und Homophobie.

Feature Film: The Last Year of Darkness Benjamin Mullinkosson, USA/China 2023, 95 min. Language: Chinese & English with English subtitles   We slip through back doors and side streets, past the last trains, into rooms that only exist for a few hours before they vanish again. Strangers turn into lovers, lovers into legends, legends into the friends we did not know we were looking for. The night is not just where subcultural, non-conformative and queer life happens to take place – it is one of the conditions that makes it possible at all. Even Stonewall was a bar. Underground dance music, drag, cruising cultures: all of it developed in hours and spaces daytime society had already written off as unimportant, which is exactly what let them grow largely undisturbed. This is also why nightlife venues keep getting fought over. Closing times, noise complaints, rising rents – the tools of urban reform have targeted queer and subcultural nightlife for as long as it has existed, because a room full of people building their own rules after dark has always made someone nervous. FTER HOURS is dedicated to that friction, and to the spaces that keep insisting on existing anyway. About the film: Behind a construction site in Chengdu lies Club Funky Town. A cracked mirror, a DJ booth held together with cable ties, a dance floor carrying years of sweat and spilled drinks. Drag queens get ready between shifts, DJs test beats that never sound quite the same twice, and skaters, ravers and lovers find space for sides of themselves that rarely fit anywhere else. Over five years and 125 nights, Benjamin Mullinkosson follows his friends inside Funky Town. His camera stays close enough to catch smudged eyeliner, unfinished sentences and the hours that blur quietly into each other. By day, the same people go to work, maintain relationships and deal with the ordinary exhaustion of being an adult - in a city where you can never be quite sure how much of yourself you are allowed to show. Next door, a new metro station is rising. The film lands in the middle of that change: a place disappearing, a city reinventing itself block by block, and the people being pushed out of the spaces where they first found themselves. What remains is a strange grief for a room you never entered, and for years you never lived.   content note : contains alcohol and tobacco use, several scenes of vomiting, and discussion of depression. One scene takes place on a rooftop edge during an argument   German version : Wir schlüpfen durch Hintertüren und Seitenstraßen, an den letzten Zügen vorbei, in Räume, die nur ein paar Stunden existieren, bevor sie wieder verschwinden. Fremde werden zu Liebenden, Liebende zu Legenden, Legenden zu Freund:innen, die wir nicht wussten, dass wir sie suchen. Die Nacht ist nicht nur der Ort, an dem subkulturelles, nicht-konformes und queeres Leben stattfindet – sie ist eine der Bedingungen, die es überhaupt erst möglich macht. Sogar Stonewall war eine Bar. Underground-Tanzmusik, Drag, Cruising-Kulturen: All das entstand in Stunden und Räumen, die die Gesellschaft bei Tag längst als unwichtig abgeschrieben hatte – genau das ließ es weitgehend ungestört wachsen. Deshalb werden Nachtclubs immer wieder bekämpft. Sperrstunden, Lärmklagen, steigende Mieten – die Werkzeuge der Stadtentwicklung haben queeres und subkulturelles Nachtleben immer ins Visier genommen, weil ein Raum voller Menschen, die nach Einbruch der Dunkelheit ihre eigenen Regeln aufstellen, schon immer jemanden nervös gemacht hat. AFTER HOURS ist diesem Widerstand gewidmet und den Räumen, die darauf bestehen, trotzdem zu existieren. Über den Film: Hinter einer Baustelle in Chengdu liegt der Club Funky Town. Ein gesprungener Spiegel, ein DJ-Pult, notdürftig mit Kabelbindern zusammengehalten, eine Tanzfläche, auf der sich Jahre aus Schweiß und verschütteten Getränken gesammelt haben. Hier machen sich Drag Queens zwischen zwei Schichten fertig, DJs probieren Beats aus, die nie zweimal genau gleich klingen, und Skater:innen, Raver:innen und Liebende finden einen Raum für Seiten von sich, für die tagsüber oft kein Platz ist. Über fünf Jahre und 125 Nächte begleitet Benjamin Mullinkosson seine Freund:innen in Funky Town. Seine Kamera ist so nah, dass sie verschmierte Lidstriche, abgebrochene Sätze und die Stunden einfängt, die unbemerkt ineinander übergehen. Am Tag gehen dieselben Menschen zur Arbeit, führen Beziehungen und kämpfen mit der gewöhnlichen Erschöpfung des Erwachsenseins – an einem Ort, an dem man nie ganz sicher sein kann, wie viel von sich selbst man zeigen darf. Nebenan wächst eine neue Metrostation in die Höhe. Der Film führt mitten hinein in den Wandel und erzählt von einem Ort, der verschwindet, von einer Stadt, die sich Block für Block neu erfindet, und von den Menschen, die aus den Räumen verdrängt werden, in denen sie zu sich selbst gefunden haben. Am Ende bleibt eine eigentümliche Trauer um einen Raum, den man nie betreten hat, und um Jahre, die man selbst nie erlebt hat. Content Note:  Der Film enthält Alkohol- und Tabakkonsum, mehrere Szenen mit Erbrechen sowie Gespräche über Depressionen. Eine Szene spielt während eines Streits am Rand eines Dachs.

FEATURE FILM: Jubilee Derek Jarman, UK 1978, 106 min. Language: English Desire does not always know what it desires. Sometimes it only knows it wants everything, right now, staged as loudly as possible, with no particular plan for what happens after. That kind of longing has its own history, one less about romance than about refusal, a way of taking up space in a world that has already decided there is no future worth waiting for. Punk understood this instinct better than almost anyone. It turned desire into spectacle and nihilism in a society already coming apart at the seams, desire without a clear object, without redemption, often more pose than intimacy. Safety pins through cheeks, ripped clothes held together by nothing but nerve, a walk built to provoke rather than seduce, all of it performed in public because private longing had stopped feeling like enough. It was less interested in being loved than in being impossible to ignore. About the film: Queen Elizabeth I, guided by her court occultist John Dee, is pulled four centuries into the future to see what has become of her country. She finds a Britain gutted by its own Silver Jubilee, its capital run by a gang of young women, Bod, Mad, Amyl Nitrate, Crabs, Chaos, burning through the wreckage with an energy that is equal parts fashion statement and genuine despair. Adam Ant, Toyah Willcox, Jordan, and members of the Slits and Siouxsie and the Banshees pass through, half playing themselves. Jarman shot it in six weeks on a shoestring, deeply unconvinced by punk's relationship to the capitalism it claimed to reject. By the time the film premiered, the Sex Pistols had already broken up and Vivienne Westwood hated it enough to print her review on a t-shirt. content note : contains graphic violence including castration, strangulation and stabbing, strong sexual content with nudity, references to incest, and strong language throughout.   German version: Begehren weiß nicht immer, was es eigentlich begehrt. Manchmal weiß es nur, dass es alles will – sofort, möglichst laut und ohne großen Gedanken daran, was danach kommt. Diese Form von Verlangen hat ihre eigene Geschichte. Eine Geschichte, in der es weniger um Romantik als um Verweigerung geht: um den Versuch, Raum einzunehmen in einer Welt, die längst entschieden hat, dass es keine Zukunft gibt, auf die sich das Warten lohnt. Kaum jemand hat diesen Impuls so gut verstanden wie Punk. In einer Gesellschaft, die bereits an allen Ecken und Enden auseinanderbrach, machte Punk aus Begehren ein Spektakel und aus Nihilismus eine Haltung. Ein Begehren ohne klares Ziel, ohne Erlösung. Über den Film: Queen Elizabeth I. wird, begleitet von ihrem Hofastrologen und Okkultisten John Dee, vier Jahrhunderte in die Zukunft katapultiert, um mit eigenen Augen zu sehen, was aus ihrem Land geworden ist. Was sie vorfindet, ist ein Großbritannien, das von den Feierlichkeiten zu ihrem Silbernen Thronjubiläum verwüstet wurde. London wird von einer Gruppe junger Frauen beherrscht: Bod, Mad, Amyl Nitrate, Crabs und Chaos. Sie bewegen sich durch die Trümmer mit einer Energie, in der Mode, Wut und echte Verzweiflung untrennbar ineinander übergehen. Jarman drehte den Film innerhalb von sechs Wochen mit kaum vorhandenem Budget und betrachtete die zunehmende Verflechtung des Punk mit dem Kapitalismus, gegen den er sich eigentlich richtete, von Anfang an skeptisch.  Als der Film schließlich Premiere feierte, hatten sich die Sex Pistols bereits aufgelöst. Mit dabei sind Adam Ant, Toyah Willcox, Jordan sowie Mitglieder von The Slits und Siouxsie and the Banshees, die zwischen ihrer eigenen Person und ihren Bühnenfiguren wechseln. Vivienne Westwood hasste JUBILEE so sehr, dass sie ihre Kritik kurzerhand auf ein T-Shirt drucken ließ. Content Note:  Der Film enthält drastische Gewaltdarstellungen, darunter Kastration, Strangulierung und Messerangriffe, sowie explizite sexuelle Darstellungen und Nacktheit. Außerdem gibt es Bezüge zu Inzest und durchgehend vulgäre Sprache.

Manchmal klein, manchmal riesengroß. Manchmal ganz deutlich, manchmal kaum zu sehen. Schatten begleiten uns überall. Im Filmprogramm entdecken wir gemeinsam, wie sie auftauchen, verschwinden und zum Leben erwachen. Danach machen wir uns selbst auf die Suche.  Der Familiensonntag findet zwischen 11 und 15 h statt. Es ist auch möglich nach 11 Uhr noch ins Programm einzusteigen.  Teilnahme ab 4 Jahren, ältere Kinder können nach Absprache vor Ort auch alleine am Familiensonntag teilnehmen.   Es bedarf keiner Anmeldung . Die Teilnahme ist kostenlos.  Über eine Materialspende freuen wir uns.  Bringt gerne etwas Proviant für die Pause im Foyer mit.  Konzept und Durchführung: Robin Dölker Der Familiensonntag wird gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln.